SAKURADO FINE ARTS

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EXHIBITION



YAYOI KUSAMA : FLOWER GARDEN

2018/5/25   -

 

 

Yayoi Kusama: Flower Garden


本展は、ソフトスカルプチャーを用いた立体作品『 Rose Garden 』( 1998 )を中心に「花」というモチーフに焦点 をあて、
草間彌生の作品における動植物を象った有機的フォルムの表現と、 その原点である象徴的神秘主義との関連性を探る。

草間の作家人生において大きな転機となる出来事に 1957 年の単 身 28 歳での渡米があるが、
そのきっかけにジョージア・オキーフ( 1987-1986 )との 出会いがあった。
渡米に先立って草間がオキーフに手紙を送った話は有名だが、オキ ーフは 1920 年代中盤から 1950 年代にかけて、
200 点に及ぶ花の絵を描いている。大胆なクロースアップで切 り取られた花のイメージは、
身近な植物が持つ造形美を、象徴的で官能的な像として描き出す。 また、当時草間はオキーフと並んで注目するアメリカ人作家として
、西海岸を中心に活動したマーク・トビー( 1890-1976 ) やモリス・クレイヴス( 1910-2001 )の名前を挙げており 、
渡米後最初の活動拠点がシアトルであったことからも、草間と西海 岸との親密な関係が伺える。
これらパシフィック・ノースウエスト・スクールと呼ばれる作家た ちは、身近な動植物を題材に、
東洋の水墨画や書道の技法から着想を得た繊細で幻想的な作風を特 徴とする。
今日あまり知られていないが、西海岸の作家たちは、ポロックをは じめとするアメリカ東海岸の抽象表現主義や
ヨーロッパのアンフォルメルと並ぶ同時代の西洋美術として当時日 本で紹介されていた。
1950
年代中盤から草間の紙作品にみられる、画材の色や質感の コントラストによって、暗い背景に生物的なモチーフが浮かび上が る構図は、
作品に独特の浮遊感と宇宙的な空間の奥行を生み出し、後にニュー ヨークで誕生するキャンバスのネットペインティングを予兆すると ともに、
アメリカ西海岸における神秘主義的な表現との関連性を示唆するか のようである。
 
そうした花をはじめとする動植物のモチーフは、 1973 年の帰国 後から今日にかけて草間の作品の中で進化を続ける。
具象作品においては、南瓜や蝶といった身近な題材が頻繁に登場し 、
抽象作品においては、動植物を象った有機的なパターンの反復が多 くみられる。
中でも、本展の主役である『 Rose Garden 』( 1998 )は、群生する突起物から凛と伸びるバ ラの花が、
初期作品を彷彿とさせる神秘的な繊細さと、 1960 年代のインス タレーションやパフォーマンス作品がもつ挑発的な前衛精神とを兼 ね備えている。
また、『花園の中のクサマ』( 1996 )は、非常に珍しくも草間 自身が画面に登場するペインティングで、
黒の背景に散りばめられた無数の黄色いドットが花園の中心にぽつ んと立つクサマを包み込み、平面上に夢幻的な風景を浮かび上がら せる。

 

Flower Garden: Yayoi Kusama


This exhibition focuses on flowers as a key subject within Kusama’s work and looks at the variations in the flora-inspired organic forms in relation to the aesthetics of symbolism and mysticism, which left a lasting impact on the artist’s vision during her early years.

One of the most decisive events in Kusama’s life was her migration to the US in 1957 at the age of 28, prompted by her encounter with Georgia O’Keeffe (1887-1986). O’Keeffe is renowned for her series of flower paintings created between the mid-1920s and 1950s. Depicted in close-ups, O’Keeffe’s flowers reflect the artist’s intensive observation of the colors and forms of the mundane subject, with the resulting images appearing as symbolic and alluring visual metaphors. Besides O'Keeffe, Kusama also paid attention to artists of the Pacific Northwest School such as Mark Toby (1890-1976) and Morris Graves (1910-2001), whom she regarded as the important contemporary American artists. These West Coast artists would sometimes appropriate Asian-style ink drawings and calligraphy when depicting plants and animals in a surreal and delicate manner. Although not widely known today, the Pacific Northwest School was back then introduced in Japan as the latest art movement of the West, along with Abstract Expressionism and the European Informel; in fact, Kusama held her first solo exhibition in the US in Seattle, as if to reflect such cultural exchange. Starting in the mid-1950s, Kusama’s work on paper was characterized by an organic form floating amid a dark background with a sense of weightless closure and an infinite depth of the pictorial space. Arranged through the subtle juxtapositions of the material’s textures and colors, such features imply Kusama’s association with the mystic expressions of the Pacific Northwest School and also anticipated the technique she went on to invent in the epoch-making “Net Painting” during the ensuing years.

Motifs drawn from flora and fauna continued to evolve in Kusama’s work following her return to Japan in 1973. Pumpkins and butterflies appear constantly in her figurative works, while her abstract images are mostly composed of repetitive patterns of varied organic forms. In particular, ‘Rose Garden’ (1998) presents fragile roses stemming from a cluster of protruding soft sculptures. It embodies a unique combination of the mystic nature of Kusama’s early works and the provocative avant-garde spirit of her 1960s performances and installations. ‘KUSAMA IN FLOWER GARDEN’ (1996) is another flower-themed work and is an extremely rare example of Kusama illustrating herself in the picture. The artist stands alone in a sea of frizzling flowers, while the countless yellow dots scattered in the black background create a poetic and dreamy landscape.













宙の譜 Rhythm Of The Universe

坂本一樹  IKKI SAKAMOTO

2017/12/15 - 2018/01/13



Color is the place where our brain and the universe meet. - Paul Klee 


この度Sakurado Fine Artsでは、
日本画の素材を用いながら色彩豊かな抽象画を制作する坂本一樹(さかもと・いっき)の個展を開催します。
 

まっさらな画面に一本の線を引くことから始まる坂本の絵は、無数の線の航跡によって生み出されるパズルのような構図の中に、色と形が織りなすリズムがある。
時間をかけて塗り重ねられる岩絵の具は、深みの中に画面から浮き立つような鮮やかさのある色彩を生み、即興的な創意による遊び心と、巧みな技術による厳格さを併せ持った、独自の絵画世界を創出する。
子供の頃、宇宙飛行士になることが夢だったと語る坂本は、線と色という絵画の原点に回帰することで、日常空間とその遥か遠くに広がる宇宙という二つの世界を、想像力豊かに行き来するようである。
作品における形のバリエーションは、変奏曲のように少しずつリズムを変えながら、無限にひろがっていく。
 

【作家プロフィール】

1966年 岐阜県生まれ。多摩美術大学絵画科日本画専攻卒業。
1995年に初の個展を開催して以来、日本各地で作品を発表しながら作家活動を続けている。
主な展示に、「21回上野の森美術館大賞展」(上野の森美術館/2003年)や、「日本画の逆襲」(岐阜県美術館/2017年)などがある。

Sakurado Fine Arts is thrilled to present the exhibition ‘Rhythm of the Universe’ by Ikki Sakamoto.

Sakamoto begins his creative process by drawing a line on a blank sheet of paper. From there, the composition grows into a puzzle-like pattern where color and shape intersect to create a rhythm. Using pigments of traditional Japanese painting, Sakamoto’s work renders deep and fresh colors, which reflect a mature combination of playful improvisation and precise control. Once dreamed of becoming an astronaut, Sakamoto’s focus on the simple formal elements traces back to the origin of drawing, and places his work as an aesthetic mediator between our living space and the far universe through imagination. The variations of Sakamoto’s compositions grow infinitely by subtle alterations of its rhythm.

Artist bio
Born in 1966 in Gifu Prefecture, Japan, Sakamoto graduated from Tama Art University with a degree in Japanese Painting. Sakamoto first held his solo exhibition in Toyo in 1995,  and  has ever since widely presented his work across Japan. His major group exhibitions include ‘The 21st Grand Award Show’ at The Ueno Royal Museum in 2003 and ‘The Revenge of Japanese Painting’ at The Museum of Fine Art, Gifu in 2017.



Fleeting Lines - イメージとしての線

2017/9/27 - 2017/11/11



桑原盛行、菅木志雄、田中敦子、今井俊満、草間彌生、山田正亮

Moriyuki Kuwabara, Kishio Suga, Atsuko Tanaka, Toshimitsu Imai, Yayoi Kusama, Masaaki Yamada



SAKURADO FINE ARTSでは、戦後から現代にかけて活躍する日本人作家6名に焦点を当て、作品において線が、対象物を描写するためではなく、自律した線そのものとしてイメージとなる様相を考察する展覧会「Fleeting Lines」を開催します。
 
身体の軌跡を記録する線、物質の形状を辿る線、キャンバス上の線、空間に浮遊する線、繋がる線、途切れる線。それら個性あふれる線は、素材、長さ、形、色、幅、向かう方向によって様々な表情をみせ、線に潜在する一種の不安定さが作品に実験的な動勢を与える。菅木志雄1944-)は、工業的な物質と自然界の物質を作品に取り入れ、それらの「もの」をぶら下げたり、積み重ねたり、落としたりといったアクションの介入を通して一過性の共存状態に置く。配置された物質が織りなす線は、個人と物質と空間の相互関連性を可視化し活性化する装置のようである。コンパスを用いて点から円へと線を幾何学的に拡張させる桑原盛行1942-)は、独自に考案した格子構造に基くおびただしい数の円の重なりによって、音や光を連想させる快調を帯びたダイナミックなイメージを生み出す。エナメル塗料によるカラフルな円と線の回路図で知られる田中敦子1932-2005)のドローイングは、有機的に伸びる線が作家の筆跡を如実に記録し、それはまるで舞台演出や空間インスタレーションをはじめとする田中の初期作品がもつ身体性やパフォーマティブな側面へとリンクするようである。戦後アンフォルメルの旗手である今井俊満1928-2002)は、即興的なアクションを伴う線の戯れによって、エネルギッシュな抽象画を生み出した。一方、草間彌生1929-)のインフィニティーネットは線を用いたパターンのオブセッシブな反復であり、接触する線の集積はイリュージョンとイマジネーションの間を浮遊しながら平面空間に無限の拡がりを展開する。山田正亮1929-2010)のボーダーも同じく反復的な線の集合体と言えるだろう。支持体であるキャンバスの輪郭を模して繰り返し引かれる線は、作品の形状が内包するミニマルな規則性に従いつつ、絵画に対峙する我々の知覚体験を刺激する。


Sakurado Fine Arts presents ‘Fleeting Lines’, a themed exhibition featuring works by 6 post-war and contemporary Japanese artists who use lines not to represent an image but instead present lines as the image in themselves.
 
A line takes a simple action and yet its outcome is diverse and elusive; the variations of its support material, length, width, direction, and shape give each line a unique expression, and such inherent instability of lines evokes spontaneity and experimentation in the images they compose. Kishio Suga (1944-) constructs ephemeral arrangements of materials, both industrially manufactured and natural, via direct actions such as suspending, dropping, and stacking. Lines made visible by the arrangements explore the relationships between the individual, matter, and surrounding space. Moriyuki Kuwabara (1942-) uses a compass and self-devised grids to paint countless circles that overlap and expand into a restless geometric composition, which is evocative of the tone of light and sound in transition. Best known for her enamel paintings of circles and lines resembling electrical circuitry, Atsuko Tanaka (1932-2005)’s drawings on paper unfold delicate hand-drawn lines freshly recording the movement of the artist’s hands. Such sensuous nature may refer to the physical and performative aspect of Tanaka’s early theatrical pieces. An advocate and practitioner of post-war Informel movement Toshimitsu Imai  (1928-2002) creates energetic abstract paintings using lines that derive from improvisational movements. Yayoi Kusama (1929-)’s Infinity Nets are obsessive repetitions of linear patterns, which reveal an infinite expansion of the pictorial space and drifts between illusion and imagination. Similarly, Masaaki Yamada (1929-2010)’s paintings of stripes are a collection of repeated lines, which are drawn to mimic the outline of the canvas. Grounded in such internal formal logic, Yamada’s delicate lines stimulates our perceptual experience when facing a tableau.



CITYSCAPE

猪熊弦一郎&森山大道 | Genichiro Inokuma & Daido Moriyama

2017/8/2 - 2017/9/23


Sakurado Fine Artsでは、写真と絵画という異なったメディアを用いながらも、独自の視点で都市風景を即興的に切り取る猪熊弦一郎と森山大道の二人展を開催します。森山がカメラを片手に東京の街を彷徨し撮り下ろしたスナップ写真シリーズ『4区』(1998-99)『バイバイ ポラロイド』(2008)と、猪熊がニューヨーク滞在中の1960年代を中心に制作した都市構造を俯瞰する抽象絵画を展示します。日本の戦後現代美術の流れを作った二大作家を新しい視点で組み合わせた本展覧会、ぜひご高覧下さい。

「アレ・ブレ・ボケ」と形容される森山の作風は、荒れた粒子、傾いた構図、ピントがボケてブレた画面を特徴とし、従来の写真表現の常識を覆すようなラディカルなアプローチとして世界に衝撃を与えた。森山の生み出すイメージの不鮮明さの背景には、1950年代のニューヨークを荒々しい手法で撮影したアメリカ人写真家ウィリアム・クラインの影響がある。一方、クラインが活躍したのと同時期の1950年代半ばにニューヨークへ渡り、以後同市を20年間活動の拠点とした猪熊は、抽象表現主義やポップアートの作家と交流を持ちながら、具象画から抽象画へとスタイルを移行した。

ファインダーを覗かずに連写したイメージをその場ですぐさま現像する森山のインスタント写真は、直感や即時性に頼る部分が大きく、猪熊の作品もまたうごめく三次元の都市空間を想像上の二次元図に展開する過程で、スピードある即興的なタッチを伴う。また、森山の断片的なフレーミングやクローズアップ、過激なコントラストは被写体が抽象化されたようなグラフィカルな要素を強め、その点はデザイナーとしての顔を持つ猪熊の、色や形、重さや軽さのバランスを追求する構図や記号的なモチーフに相通じる。このように感覚やオートマチズムを用いながら生み出される両者の作品は、都市に潜む艶かしく禍々しいエネルギーをダイナミックかつフラットに抽出し記録する。

This exhibition presents works by two pioneering Japanese artists who capture the fragmented urban cityscape in photography and painting. Daido Moriyama wonders around the streets and takes snapshots with an instant camera, while Genichiro Inokuma reconstructs aerial views of cities in his abstract paintings. Selected works from Moriyama’s Tokyo based series ‘Passage’(1998-99) and ‘Bye-bye Polaroid’(2008) are juxtaposed with Inokuma’s paintings created during his residency in New York in the mid-1950s to '70s, presenting a graphic collaboration that reflects the two artists’ restless attempt to fossilize the alluring energy of city life from unique viewpoints.

Often described as ‘are (grainy/rough), bure (blurry), bokeh (out-of-focus)’, Moriyama’s distinctive style emerged in the late 1960s as a bold challenge to the predominant notions of ‘good photography’. His rebellious and edgy aesthetics was largely influenced by the American photographer William Klein, who fiercely captured the streets of New York in the 1950s. At around the same time, Inokuma settled in the American capital in 1955 and spent two decades there creating a body of ambitious work. While joining the circles of Abstract Expressionists and Pop artists, Inokuma’s style shifted from figurative to abstract painting.

Moriyama’s quick shots are taken without looking in the viewfinder, and so the resulting images are largely dependent on intuition and immediacy. Similarly, Inokuma’s process of reducing the bustling three-dimensional topography to two-dimensional patterns entails speedy and improvisational brush strokes. To draw a further comparison, Moriyama’s bold framing, extreme close-up, and stark contrast enhance the graphical quality of his images, in which subjects lose its specificity and become rather abstract. Such tendency is also hinted by Inokuma, whose background as a designer engaged him in the balance of color, shape, and weight in his compositions. Embracing automatism and improvisation, the two artists dynamically extract, flatten and record the visual complicity of metropolitan landscape.





Masaaki Yamada / 山田正亮

From on the Borderline

形態の臨界

2017/06/07 - 2017/07/29




この度、Sakurado Fine Artsでは、山田正亮の1960年代から1990年代にかけ制作された『Work』シリーズに焦点を当て、山田が制作を通して行った試みをストライプやクロスを中心とした作品の内部から読み解く展覧会を開催致します。
 
作品を見ている 注意をして見つめていると 彩度をおさえた二色のくりかえしは 生成しつつある色相のなかに消失しつつある 筆触によるストライプの感覚は狭くなると 組織化を続け 形体は失はれ 抑制された混合体の色彩が表出する
山田正亮(制作ノート48 1968より抜粋)
 
戦争体験からバラバラになった世界の中で、画壇に属さず「来るときのために」生涯をかけ5,000点以上を反復的に描き続けた山田正亮の作品が、今日、再評価され始めた。1940年代後半より制作された静物画から1950年代中頃に抽象的表現へ移行するに至った山田の象徴的なシリーズとしてストライプとクロスがあげられるが、両シリーズに共通する注目すべき事柄として、山田がストライプやクロスを支持体であるキャンバスそのものの輪郭線を模して描き始めた点があげられる。引かれた線が隣同士に比較される事によりそれらが反復的な線であると認識されるストライプの性質に、支持体を線のモチーフにする発想を加える事で、山田は色とりどりの線からストライプ、支持体、作品、シリーズといういくつもの単位の「固と全体」を同時に表出させた。この事は、クロスシリーズにおいてより抽象度の高いレベルで垣間見ることが出来る。キャンバスの短形を模した十字の線と塗られた色は、互いに歪められ、反発し、溶け込み、一個体としてではなく隣り合う物との相対関係によって動的に認識される。

山田の作品において、物が<もの>であるために、形態はその認知の臨界点で拮抗する。彼の描く個々の線や色といった諸要素は支持体の形態から派生し、支持体に倣いながら一要素として反復され、個であり全体であるという両義性によって成り立つ。それは山田本人が「どの場所でも未完であるということが本質的に理解する」(制作ノート28 1960と記しているように、物そのものを見る事は常に他者との共有に難く不完全であるという寄る辺ない本質を意味し、だからこそ山田は絵画に向き合い続けたのではないか。落ち着いた色合いで描かれる『Work』シリーズにひかれた一本一本の線には、力強い筆跡が見られる。戦後日本美術界で多くの運動が立ち上がった中、どこにも属さず絵画に向き合い続けた山田の強い思いは作品に熱烈に残存し続けるだろう。

再評価の波が高まる中、山田正亮の代表的シリーズの集う本展覧会を是非ご高覧下さい。
 

【作家プロフィール】
画家。1930年東京生まれ。1953年から長谷川三郎に師事。戦後日本美術界において画壇に属さず制作を続けた。そのシリーズは大きく三つに分けられ、モランディやセザンヌに影響を受けた静物画『still life』シリーズ(1948-55)、ストライプを含む山田の中心的作品群である『work』シリーズ(1956-95)、そして晩年の単一的な色彩による『Color』シリーズ(1997-2010)で展開される。1979年から1997年まで毎年個展を開催、国外でも多くの展覧会へ出展され、評価を高めた。1981年には東京国立近代美術館と京都国立近代美術館による『1960年代現代美術の転換期』展、1987年には第19回サンパウロ・ビエンナーレに出品の経歴がある。2010年に他界後、近年その独特な立ち位置は再評価の中にあり、2016年にはロンドンのアートフェアFrieze Mastersや東京国立近代美術館、京都国立近代美術館でも大規模な個展が開催され、多くの国内外美術館へ作品が所蔵されている。
 
Sakurado Fine Arts is pleased to introduce Masaaki Yamada, one of the most unique and prolific Japanese post-war painters. Focusing on his abstract series ‘Work’ produced between the 1960s and 1990s, this solo exhibition takes a closer look at Yamada’s renowned variations of ‘stripes’ and ‘crosses’, and see how an internal logic based on form and color in his work challenges the fundamental visual experience of paintings.
 
Detaching himself from the art world, Yamada shifted from Cubism-like still-life paintings in the late-1940s to pure abstraction in the mid-1950s and kept painting ‘for the time to come’ in the chaotic aftermath of the Second World War. Some 5,000 pieces Yamada left in his lifetime are recently under reevaluation for its exceptional position in the history of Modern Art.
 
Among the mass of works, ‘stripe’ and ‘cross’ are two predominantly ubiquitous motifs for Yamada, which were forged so as to mimic the shape of their supporting medium, referring to the rectangle of a canvas. Generally speaking, stripes are recognized as per se when viewers compare adjacent lines and perceive them as repetitive. Based on such nature of stripes, Yamada takes up the idea of using the outline of the canvas itself as a formal component in his works. He further blurs the autonomy of a component in his painting by employing a heavy repetition of the same motif to constitute a whole series. As a result, the inherent structural constraint of a painting allows each element in Yamada's work, such as a line, stripes, a canvas, a work, and the series itself, to be loosely and intimately interrelated to each other. This notion of relativeness is highlighted in the ‘cross’ work, in which colors and lines are distorted, repelling, and melting into each other on the canvas, creating a sense of motion within the image.
 
Rooted in the shape of its supporting medium, each object in Yamada’s work exists on the borderline of singularity and collectivity, exploring an ambiguous zone where a form appears not only as an independent element but also as one of the components of a work. This ambiguity projects Yamada’s work as incomplete without an end, but it is such nature that Yamada regarded as the essence of a painting. Rendered in calm colors, each of the expressive line drawn delicately yet dynamically across the canvas is a vivid testimony of Yamada’s committed solitary search for a new painterly expression in the turmoil of post-war Japan.

 
Biography
Born in Tokyo in 1930, Yamada began to learn painting under Saburo Hasegawa, one of the pioneers in Japanese abstract painting, in 1953. His large body of work is divided into three groups: ‘Still-Life’ (1948-55) influenced by Giorgio Morandi and Paul Cezanne, ‘Work’ (1956-95) consisting of abstract paintings including stripes and marked as the most significant series, and ‘Color’ (1997-2010) consisting of monochromatic paintings. Yamada held an annual solo exhibition in Tokyo from 1969-1997, which were remarked as influential and raised his fame. Also, his works were displayed at an exhibition ‘The 1960’s: A Decade of Change in Contemporary Japanese Art’ held at The National Museum of Modern Art, Tokyo and Kyoto in 1981 and a number of international exhibitions abroad including Bienal de São Paulo in 1987. After his death in 2010, Yamada has once again gained a reputation for his unique position in the Japanese art history. In recent years, his works were presented at Frieze Masters in London in 2016, and in the same year, large retrospectives were held at The National Museum of Modern Art in Tokyo and Kyoto. Today, Yamada’s work is in a number of reputable public museum collections in Japan and abroad.






Meditative Minimalism


2017/04/19 - 2017/06/03

Minimalism




Meditative Minimalism: Confusion and Order

コンフュージョン(混乱)とオーダー(秩序)は何処の世界にも絶えずあるがこれは表裏一体のものだ。[1]

-猪熊弦一郎


この度、SAKURADO FINE ARTSでは、419日から63日まで、具体やもの派、草間彌生といった日本を代表する戦後・現代美術を、
ミニマリズム的象形という切り口から考察する展覧会を開催致します。


1960
年代以降、アメリカを中心に発展を遂げたミニマリズムは、工業的な素材や既製品を積極的に作品に取り込み、抽象表現主義への反動を背景に、感情や象徴性を排除した匿名で無機質な絵画および彫刻作品を特徴とする。
物質としての素材を前面に出し、色と形を極限まで最小化したシンプルで幾何学的な作品群は、重さや高さ、重力や光といった要素を通して、鑑賞者と視覚的および身体的な関係を構築する環境芸術である。
同時代に活躍した日本の前衛芸術家には、欧米のミニマリズムと相通じる要素がある。例えば、具体における吉原や名坂や田中の、草間や李禹煥の、山田のに見られるような、シンプルなフォルムの反復と規則的な配置。また、名坂の轆轤、田中の電球やエナメル、そして松谷のボンドなど、日常的な工業製品を積極的に用いた作家も多い。具体が美術宣言で、「物質は物質のままでその特性を露呈したとき物語をはじめ、絶叫さえする」と掲げるように、素材そのものとの対峙が大きなテーマとなっている。
しかし、これらの作品における一見ミニマリズムに分類され得るようなシンプルなフォルムや規則的な構図は、その制作過程に着目すると、作家と素材の間に身体を通した有機的な交わりがあり、作品に見られるオブセッシブな反復と職人気質な緻密さは、どこか幻覚的であり、瞑想的であり、その規則性の歪みや隙間には「生」の息吹が立ち込めているようである。混沌と秩序を帯びた日本人作家のミニマリスティックな作品群には、無機質でクールな西洋のミニマリズムとは異なった美学があるのではなかろうか。


SAKURADO FINE ARTS is thrilled to present a new thematic exhibition featuring a fine selection of post-war and contemporary Japanese artworks that reveal a meditative aesthetics while employing the formal language of Minimalism. 

From the 1960s onward, painters and sculptors of Minimalism avoided symbolism and emotional content of the Abstract Expressionism, and instead emphasized anonymity by calling attention to the materiality of the artwork.
Employing prefabricated industrial materials and simplified geometric forms, the sheer surfaces of their oeuvres require physical as well as a visual response from the audience through the fundamental qualities such as weight, height, light, and gravity.
The artworks presented in this exhibition share similar characteristics with the Western Minimalism. For instance, the 'circles' of Yoshihara, Tanaka, and Nasaka from the Gutai group, the 'dots' of Kusama and Lee Ufan, or the 'lines' of Yamada's paintings all show the tendency towards repetition of simple forms and their orderly arrangements.
The favoring of the industrial material is also evident in Nasaka's use of potters wheel and car lacquer, Matsutani's vinyl glue, Tanaka's performance with light bulbs and paintings with enamel.
However, if we take a closer look at this seemingly 'minimalistic' aesthetics, we will soon notice that the artist's creative process involve a rather corporeal connection with the material, and their obsessive repetition and the meticulous craftsmanship incorporate a sense of meditation and delusion.
Unlike the cool and inorganic Modernism of the West, these meditatively minimalistic works embody both confusion and order, and it's the lapse of the orderly patterns and rhythm that an energy of 'life' seems to lie therein.


ARTISTS:

吉原治良 | Jiro Yoshihara
田中敦子 | Atsuko Tanaka
名坂有子 | Yuko Nasaka
松谷武判 | Takesada Matsutani
 | Lee Ufan
草間彌生 | Yayoi Kusama
山田正亮 | Masaaki Yamada
猪熊弦一郎 | Genichiro Inokuma


[1]「勇気」『私の履歴書』丸亀市猪熊弦一郎現代美術館、財団法人ミモカ美術振興財団 2003.4 6-9pp



2017/01/19 - 2017/03/31

IMPASTO




Impasto: The Gestural and Sensuous in Japanese Abstract Paintings


Takeo Yamaguchi | Hisao Domoto | Toshimitsu Imai | Kazuo Shiraga

インパストとは、制作の軌跡が見られるよう、厚く絵の具を塗布する絵画をさす。その技法は、西洋絵画において古くはイタリアルネサンスより用いられ、近代以降、絵画の焦点が外界を写しとることから、人間の内面世界の表出に移行するにつれ、作家が画材とより直接的な結びつきを求めるようになり、絵の具そのものの質感や形状に感情を託す動きが強まった。本展では、戦後の日本抽象絵画において、ブラシやナイフ、あるいは身体を用いてインパストを実践した4人の作家を紹介する。

1927年フランスへ渡り、型破りのミニマリスティックな作風で日本抽象絵画の先駆者となった山口長男(1902-1983)は、ナイフを用いて丹念に単色の絵の具を板に塗り重ねた。同じくフランスで活動し、日本におけるアンフォルメルの立役者となった堂本尚郎1928-2013)と今井俊満1928-2002)は、自然の起源を彷彿とさせるような重厚なマチエールを伴い、構図や色彩において西洋と東洋の融合を試みた激しい抽象絵画を生み出した。前衛芸術家集団「具体」の一員であった白髪一雄1924-2008)は、身体を天井から吊るし、床に広げたキャンバスに裸足で描くという独自の表現方法を考案し、アクション要素の強い作品を残した。それぞれ技法は異なるものの、創造における作家の身体的かつ感覚的なエネルギーが、大胆に厚塗りされた画面にみなぎっている。

4者の作品は、フランスのアンフォルメルやアメリカの抽象表現主義など、同時期の世界的抽象絵画の文脈に取り込まれつつも、身体と精神のつながりや、素材そのものに宿るエネルギーとの対峙など、西洋絵画の枠にとらわれない日本独自の世界観を内包し、そのオリジナリティーゆえに近年再評価の風潮が世界的に強まっている。


 




2016/12/09 - 2016/12/24

ANNE KAGIOKA RIGOULET

Reflection 2015-2016

Opening Reception 12/9 16:00~20:00


2016/12/9~2016/12/24まで、弊社所属アーティスト鍵岡リグレ アンヌによる3回目の個展を開催いたします。
現在パリと鎌倉を行き来しながら活動する鍵岡は、
2014年よりグラフィートという古典的な壁画技法に布のコラージュを加えた独自の方法を用いて作品制作を行っています。
日常生活の中にある抽象的な風景に関心がある鍵岡は、水の表面にそれを見出し、世界各地で魅了された水面の反射をもとに、
立体的で色彩豊かなペインティング「Reflection」シリーズを、近年精力的に描き続けています。
本シリーズに焦点を当てる今回の個展では、初披露となる162 x 336 cmの大作を含めた新作を多数発表し、
「動きやエネルギーを描くことが絵画の本質だ」と語る鍵岡の世界観をダイナミックに展示致します。
古典的な技法を引用しながらも、新しい絵画表現を追求する若き作家の意欲作を、どうぞご高覧下さい。



2016/11/04 - 2016/12/03

Circles in Motion


€OMOTE-SANDO



2016/10/11 - 2016/10/29

BENJAMIN LEE


PiCaSso, 21th Century

€OMOTE-SANDO


界のアーティスト、文化人、クリエーター、セレブレティのポートレートを撮り続けてきた写真家ベンジャミン・リー。
SAKURADO FINE ARTSでは、初のベンジャミン・リーの個展となります。
彼の取り組んできたアートワーク(ポートレイト撮影)。また彼の歴史と共に、時代を色濃く反映した作品群を展示いたしております。






2016/08/25 -





2016/06/24 - 2016/07/09




2015/11/20 - 2015/12/05




2015/9/25 - 2015/10/10




2015/6/12 - 2015/7/11




2015/4/17 - 2015/5/2




2015/2/17 - 2015/3/17




2014/9/25 - 2014/10/8




2014/6/13 - 2014/7/12




SAKURADO FINE ARTS Co.,Ltd

 Yayoi Kusama / Gutai / Informel / 草間彌生・奈良美智・具体美術・その他プライマリーアーティスト

 
  4-11-11 Jingumae, Shibuya-ku TOKYO 150-0001 JAPAN / OMOTE-SANDO

  TEL : +81-3-6434-7705 E-mail : info@sakuradofinearts.com
  OPEN : 11:30 ~ 19:00 11:30  CLOSED on Sunday and Monday

  〒150-0001 東京都渋谷区神宮前4-11-11 TEL : 03-6434-7705 E-mail : info@sakuradofinearts.com
 
  営業時間 : 11:30 ~ 19:00 日曜・月曜定休 ※展覧会期間中以外は誠に勝手ながらCLOSEする場合がございます。
  2F OLLECTION FLOOR はご予約制となっております。お電話、または2Fギャラリーにてご予約ください。